Collage shortcuts

After a visit of the Museo Reina Sofia in Madrid and the Prado, here some thoughts.
The Reina Sofia is a huge building containing mostly contemporary works and especially Guernica. What struck me is how the contemporary works are intellectual and how they avoid the appeal to emotion. We see that the paradigm of art has changed since Picasso whose works always are emotionally violent. Since, art displays itself refrigerated, here in an environment reminiscent of a barrack. All this vastness devoted to this coldness! And that's not enough. It takes even more. Thus, at the Palacio Velasquez, really beautiful building, we see the works of Spanish artist Nacho Criado, which, among other things, refers to the crucifixion of Matthias Grünewald. I am familiar with this work that I venerate. I think it attests to human suffering, pain before death, and possibly going further - the injustice of this world that puts a man on the cross. All this against a background of wars, epidemics and other curses. As for his pictorial quality, it was a summit regarding the design and color, composition, expressivity etc. Unnecessary to deal further, many have already written about this work, and much better than myself.
Now what do we see in the Palacio Velasquez? Three truncated iron crosses placed on the white wall. And that's all. The relation to Grünewald’s masterpiece seems hardly noticeable. The three crosses? They are in all painted crucifixions. But then what? It seems to me that this follower of Duchamp wanted to make an object from the altar, virtually eliminatin everything, so we end up with a sign whose referent is very vague and whose meaning is so poor that it receives its justification only by the prestigious context in which it stands and the reference to the original. It's like Duchamp's mustachioed Gioconda a pastiche, a gag.
That's the situation: the content, the narrative are eliminated, the legacy violated. Looking through the Prado, and contemplating the religious Baroque works, it becomes obvious to me that we certainly have more creative freedom now but we created an empty shell, just like our whole society.
Arrived before the Deposition by R.van der Weyden, I feel a shock at this huge work. I know it since long ago, I read the analysis of Panofsky, watched many reproductions, but standing in front of the original so bright, looking so freshly painted, I am flabbergasted by the evocative power that emanates from this work. In fact, it impresses me even more than Guernica. Why is that? The very flat area which densifies the characters? Their moving expressions? Their expensive clothes? The abstract background? I do not know. But I know that I stand before a masterpiece that speaks to me deep.
And this has never happened to me with a contemporary work.

Après la visite du Museo Reina Sofia à Madrid et du Prado, voici ces quelques réflexions.
Le musée Reina Sofia est un immense bâtiment contenant majoritairement des œuvres contemporaines et surtout Guernica. Ce qui m’a frappé, c’est à quel point les œuvres contemporaines sont intellectuelles et combien elles évitent l’appel à l’émotion. On voit que le paradigme de l’art a changé depuis Picasso dont les œuvres dégagent toujours une charge émotionnelle violente. Depuis, l’art se montre froid, ici dans un environnement faisant penser à une caserne. Toute cette vastitude pour cela ! Et ce n’est pas assez. Il en faut encore davantage. Ainsi, au Palacio Velasquez, construction vraiment très belle, on voit les œuvres d’un artiste espagnol, Nacho Criado, qui, entre autres, fait référence à la crucifixion de Matthias Grünewald. Je connais bien cette œuvre que je vénère . A mon avis, elle témoigne de la souffrance humaine, de la douleur devant la mort et, éventuellement, en allant plus loin – de l’injustice de ce monde qui met un homme sur la croix. Tout cela sur fond de guerres, d’épidémies et autres malédictions. Quant à sa qualité picturale, elle constitue un sommet en ce qui concerne le dessin et la couleur, la composition, les expressions des personnages etc. Inutile de m’étendre davantage, beaucoup ont déjà écrit sur cette oeuvre, et bien mieux que moi-même.
Or que voit-on dans le Palacio Vélasquez ? Trois croix tronquées en fer disposées sur le mur blanc. Et c’est tout. Le rapport avec Grünewald me semble guère perceptible. Les 3 croix ? Il y en a dans toutes les crucifixions peintes. Mais alors quoi ? Il me semble que cet épigone de Duchamp ait voulu faire un objet à partir du retable, en éliminant pratiquement tout, de sorte qu’on se retrouve avec un signe dont le référent est très vague et dont la signification est si pauvre qu’il ne reçoit sa justification d’être que par le contexte prestigieux dans lequel il se trouve et par le jeu du renvoi à l’original. C’est comme la Gioconde moustachue de Duchamp un pastiche, un gag.
Voilà bien la situation : le contenu, la narration sont éliminés, l’héritage bafoué. En parcourant le Prado, et en contemplant les œuvres religieuses baroques, il me devient évident que nous avons certes davantage de liberté de création mais que nous avons créé des coquilles vides, à l’image de notre société tout entière.
Arrivé devant la Descente de Croix de R.van der Weyden, j’éprouve un choc devant cette œuvre de grande taille. Je la connais pourtant depuis longtemps, j’ai lu l’analyse de Panofsky, regardé maintes reproductions, mais devant l’original si lumineux, paraissant fraichement peint, je suis sidéré par la puissance d’évocation qui émane de ce tableau. En fait, il m’impressionne encore davantage que Guernica. Comment l’expliquer ? L’espace très plat qui densifie les personnages ? Leurs expressions bouleversantes ? Leurs habits somptueux ? Le fond abstrait ? Je ne sais pas. Mais je sais que suis devant un chef d’œuvre. Qui me parle au plus profond.
Et cela ne m’est jamais arrivé devant une œuvre contemporaine.

In preparing some images for a website, I looked through the paintings of 20002-2003, reworked in 2007-2009 - bits of magazine photos glued on these big paintings. At the time, I thought it was sacrilegious and not necessarily well. But looking closer, I must say I am surprised by some of the works. I find them challenging and successful. So I tell myself that this summer, I will unroll a number of old paintings and divert / complement / improve them. There are at least hundred of them awaiting resurrection. Wait for me, I'm coming!

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En préparant quelques images pour un site internet, j'ai parcouru les peintures de 2002-2003, retravaillées en 2007-2009 - collant des bouts de photos de magazines sur ces grandes peintures. A l'époque, je pensais que c'était sacrilège et pas forcément bien. Mais en y regardant de plus près, je dois dire que je suis surpris par certaines oeuvres. Je les trouve audacieuses et réussies. Je me dis donc que, cet été, je vais dérouler un certain nombre de toiles et m'amuser à les détourner/compléter/améliorer. Il y en a au moins une centaines qui attendent leur résurrection. Attendez-moi, j'arrive!

I could comment a lot of collages, as the machine continues to run, but I choose a today’s collage. It shows a huge helmeted woman in her bath, as little men trying to join in. There is, of course, a mythological allusion here to the fountain of youth, of which this collage shows a piece taken from Cranach or his school. (This is not the one I cut up, but it is close). But for me, this is primarily a satire of our time in terms of desire to stay young. Everyone tries to avoid the ravages of age, often taking refuge in a "mental" age much younger than the actual one. Of course I would, too, grow old as little as possible, but preferably stay fit at my brain and joints, and not necessarily in my appearance. I do not try to enter the bathtub, drown in it my sense of reality (and ridiculous) to this goddess. In fact I feel the age I am, that's all. This is reality. And then, this goddess is helmeted herself, probably not to see the drowned (?) in the magical water , to ignore the consequences of her action.

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I like this naive painting by Cranach , I always have. And what adds to my pleasure is that our house is near a village formerly called Youth.
Je pourrais commenter pas mal de collages, puisque la machine continue à tourner, mais je choisis un collage d’aujourd’hui. Il montre une gigantesque femme casquée dans son bain que de petits hommes cherchent à rejoindre. Il y a, évidemment, une allusion mythologique ici, au bain de jouvence, dont le collage montre un bout pris chez Cranach ou son école. Mais pour moi, il s’agit avant tout d’une satire de notre époque en ce qui concerne du désir de rester jeune. Tout le monde cherche à éviter les ravages de l’âge, souvent en se réfugiant dans un âge « mental » beaucoup plus jeune que l’âge réel. Bien sûr que je voudrais, moi aussi, vieillir le moins possible, mais de préférence rester en forme au niveau de mon cerveau et de mes articulations, pas forcément dans mon apparence. Je n’essaierai donc pas d’entrer dans le bain, d’y noyer mon sens de la réalité (et du ridicule) auprès de cette déesse. En fait je me sens l’âge que j’ai, voilà tout. C’est la réalité. Et puis, cette déesse est casquée elle-même, sans doute pour ne pas voir les noyés ( ?) dans l’eau magique, pour ignorer les conséquences de son action.
J’aime bien cette peinture bien naïve de Cranach, je l’aime depuis toujours. Et ce qui s’ajoute à mon plaisir, c’est le fait que notre maison se trouve près d’un village qui s’appelait autrefois Jouvence.

Seized by ... the disease. I think this collage has to do with my brother’s Alzheimer's disease recently diagnosed.
If I refer to the photo I had published, where I jumped over him from behind, I see an analogy in the gesture. At the time, it was a game, like children. But without the photo, I never would have guessed that he was frightened. This was a revelation for me. I had this power over him. And he was weaker than it used to appear.
Today, they are helping hands that land on his shoulders and I say to myself that these are - among others - mine. They are trying - unsuccessfully - to prevent an announced breakup, to support a severely shattered moral . Well, for now he’s OK, we converse on the phone - almost – as always, but I cannot help thinking about his illness.
It is curious to note that I find myself with a half-sister (much older) who no longer recognizes me and an older brother threatened the same fate. Who am I following? The father who had symptoms of straying toward the beginning of his 70 years or my mother - with a few fantasies of somebody stealing her silverware and clothings - who continued to speak with me as always, till the final year, at 99 years?

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Saisi par… la maladie. Je pense que ce collage a un rapport avec la maladie d’Alzheimer diagnostiquée chez mon frère.
Si je me rapporte à la photo que j’avais publiée, où je lui sautais dessus par derrière, je vois une analogie dans le geste. A l’époque, c’était un jeu, à la manière des enfants. Mais sans la photo, je n’aurais jamais deviné qu’il avait eu peur. Cela fut une révélation pour moi. J’avais ce pouvoir sur lui. Et il était plus faible qu’il n’y paraissait.
Aujourd’hui, ce sont des mains secourables qui se posent sur ses épaules et je me dis que ce sont – parmi d’autres – les miennes. Elles essaient – vainement - d’empêcher une dislocation annoncée, de soutenir un moral soumis à rude épreuve. Bon, pour l’instant il va, nous conversons au téléphone comme – presque – d’habitude, mais je ne peux m’empêcher de penser à sa maladie.
Il est curieux de noter que je me retrouve avec une demi-sœur (bien plus âgée) qui ne me reconnaît plus et un frère aîné menacé du même sort. De qui tiens-je ? Du père qui présentait des symptômes d’égarement vers le début de ses 70 ans ou de ma mère qui à part quelques fantasmes de vol de son argenterie et de vêtements continuait de raisonner comme toujours, jusqu’à toute dernière année, à 99 ans ?

This collage is of March 11 and it occupies a somewhat peculiar place in the flood of images, since this is a classic arrangement: two characters and a dog in a landscape, while generally, I prefer the close-up.
But in fact, everything is wrong with this composition and everything works perfectly, however.

For the "mistakes": The woman in the foreground is "dominated" by means of the plan, supporting the idea of the real domination between rich and poor, beautiful and ugly etc. In addition, the bodies are extended in a haphazard way but logical in terms of anatomy, like e.g. stones in the palms of the upper right corner. Some plans are arbitrarily cut. The image is mixing paint (or rather its representation) and advertising photography and reportage: there is confusion of genres.

Regarding the successful: the image functions as such despite the breaks, it's this little miracle that I like in the collage. The shapes fit together like a jigsaw puzzle and the final image finally appears.

It remains to speak a bit of content: addition to the domination of the poor by the rich, I see also an environmental component (yes yes), between blue heaven and dump waste below, as I could see in Bintan, Indonesia where the beaches are polluted to the extreme; an allusion to the misery of the world compared to the beautiful images of fashion magazines that I use for their abundance of human figures; and, with a touch of irony, the use of this figure painted by a famous Swiss painter on behalf of whom my art teacher said, "Go see his exhibition, to see how you should not paint!" It’s taken from a book on this painter which a friend and painter wanted to get rid of which one can see the arabesques in the background of some of my black collages.
It’s a curious image, almost surreal if it did not speak of the world in which I live. And probably of me as well, as I see myself rather below than above in the image, much like Jeremiah contemplating the ruins of Jerusalem. In sum, this composition seems a little sad and ironic, without going into self-compassion (Selbstbemitleidung).

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Ce collage date du 11 mars et il occupe une place un peu singulière dans le flot des images, puisqu’il s’agit d’un arrangement classique : deux personnages et un chien dans un paysage, alors que généralement, je privilégie le gros plan.
Mais en fait, tout cloche dans cette composition et tout marche à merveille cependant.
Pour les « fautes » : La femme du premier plan est « dominée » par celle du moyen plan, renforçant l’idée de la domination réelle entre riche et pauvre, beau et laid etc. En plus, les corps se prolongent de manière hasardeuse mais logique du point de vue de l’anatomie, tout comme par ex. les pierres dans les feuilles de palmier du coin supérieur droit. Certains plans sont coupés de manière arbitraire. L’image mélange peinture (ou plutôt sa reproduction) et photo publicitaire et de reportage : il y a confusion de genres.
Pour ce qui est réussi : l’image fonctionne comme telle malgré les ruptures, c’est ce petit miracle qui me plaît tant dans le collage. Les formes s’assemblent comme dans un puzzle et l’image finale apparaît enfin.
Il me reste à parler un peu du contenu : outre la domination, j’y vois également un volet environnemental (mais oui), entre le ciel carte postale et le dépotoir en-dessous, tel que j’ai pu le voir à Bintan, Indonésie où les plages sont polluées à l’extrême ; une allusion à la misère du monde comparée aux belles images des magazines de mode que j’utilise pour leur abondance de figures humaines ; et, avec une pointe d’ironie, l’utilisation de cette figure peinte par un peintre suisse notoire dont mon professeur de dessin disait : « Allez voir son exposition, pour voir comment il ne faut pas peindre ! », prise dans un livre dont une amie peintre voulait se débarrasser et dont on peut voir les arabesques molles en fond de certains de mes collages noirs.
Image curieuse, presque surréaliste si elle ne parlait pas du monde dans lequel je vis. Et de moi sans doute qui me vois plutôt en bas qu’en haut de cette image, un peu comme Jérémie contemplant les ruines de Jérusalem. Somme toute, elle me paraît mélancolique – ironique, sans aller dans la compassion de soi (Selbstbemitleidung).

My first collages, in the 60s, were in black and white. I loved the drama in them and the ease of assembling the pieces, especially since so I avoided having to match colors, to monitor their gray value, to consider the "color" effect. Because color was at that time a real problem for me. I did not know how to harmonize the painting. That’s why I removed the color from my paintings and collages. Then, and gradually, I introduced a color, then two and so on., composing my paintings in the style of a Bach fugue. And I haven’t been more bothered by this problem since. That is to say that my current black collages are the result of expressive, expressionistic bias, like the old movies in black and white of Murnau or Lang eg. When I do my collages, I think after a few colored ones: It's time to make a black and white one. I have already mentioned the internal roots of these collages, but it remains to name my discoveries, primarily in adolescence, with woodcuts of Nolde or Masereel and Lynd Ward, and lithos by Munch who have nurtured my imagination throughout my life. I've always been attracted by the “maniera nera”, like Caravaggio.
Last night, after a "white" collage, I thought it was time for a very dark one now. And it came quite easily. Here are the steps:

Here's the link to the bigger picture.

Noir et blanc

Mes premiers collages, dans les années 60, ont été en noir et blanc. J’aimais le drame qui s’en dégageait et la facilité de l’assemblage des morceaux, d’autant plus que j’évitais ainsi de devoir faire harmoniser les couleurs, à surveiller leur bonne valeur de gris, à songer à l’effet « couleur ». Car la couleur a été à ce moment un vrai problème pour moi. Je ne savais plus comment harmoniser le tableau. J’ai supprimé la couleur de mes collages et tableaux. Ensuite, et progressivement, j’ai introduit une couleur, puis deux etc., composant mes tableaux à la manière d’une fugue de Bach. Et je ne me suis plus soucié de ce problème depuis. Ceci pour dire que mes collages noirs actuels sont le fruit d’un parti pris expressif, expressionniste, à la manière des vieux films en noir et blanc de Murnau ou Lang par ex. Quand je fais mes collages, je me dis au bout de quelques-uns en couleur : Il est temps d’en faire un en noir et blanc. J’ai déjà évoqué les racines intérieures de ces collages, mais il reste à nommer mes découvertes, d’abord à l’adolescence, avec les gravures sur bois de Nolde ou Masereel et de Lynd Ward, ainsi que les lithos de Munch qui m’ont nourri tout au long de ma vie. C’est la « manière noire » qui m’a toujours attirée, tout comme les Caravagistes.
Hier soir, après un collage « blanc », je me suis dit qu’il en fallait un très noir maintenant. Et il est venu assez facilement. Voici les étapes :

Today, I struggled with a collage that comes from a painting vom Artemisia. The more I changed it, the less I felt comfortable with it. The initial idea was to do something with the berries and the leaves, a kind of celebration of the renewal in nature, a sort of antique goddess. In the middle of it, I got stuck. Here's the state of the collage:

My thoughts were going to Bernini's Danaë, to Arcimboldo etc., but I felt that the relationship of foreground and the head wasn't satisfying because the head seemed unrelated to the body. That's why I decided to "destroy" it:

This time I felt that I got it right: I liked the contrapposto between the arms and the turn of the head, the upgrowing branch and the joke with the blueberries. I missed just a little detail in order to "close" the picture at the top and I was done. Here's the final picture:

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So, what happened? Again, I had to "sacrifice" an important part of the picture in order to get it right. And this decision took me only a few minutes. And the final gesture came just about 10 minutes later. I prefer this to getting stuck in my picture and tearing it up at the end.

And what does the picture tell me? In fact it looks quite scattered to me. And yet, it works - at least in my eyes. It's like different sensations, remembrances, thoughts that happen all at a time at the scent of twigs, leaves and berries.
Spring is back again, one more time (I'm getting older and older) but the magic works again. A I read in Jean Améry: being old, there's not much future anymore. Better live the present moment as best as I can.

Since my last article, I have continued to read my "black" books. And I have ordered some more. And I have continued to paste.
One of the strangest collages is the no.49/12 because I immediately felt it as important. Formally, it is closer to the traditional “painting” than others. It shows a nude figure in the foreground, facing a kind of landscape, reminding eg. Giorgione or Titian etc. But the whole composition plays with the ruptures, while preventing the image from bursting. A bit like an archaeologist who tried to reconstitute a vase, but using shards from various sources. These shards make me think the breaking of the vessels in the Kabbalah. In short, it is a badly assembled world, and a bloodthirsty creature whose head is separated from the body expresses this same failure of a successful mix. In the landscape, I also see the border that I crossed when I was 5 years old, from the sheltered world of childhood towards the children's home cruelty, it was located in another sector of occupied Germany , so unrelated to my home - in an Alpine landscape while I came from a country as flat as a pancake. And the shadows? To what do they refer? To my ghosts? Maybe to my childhood fears. For now, I have no other keys to access the contents of this picture. It continues to trouble and ask me to understand it better. And I think that memory stimulates imagination giving birth - from time to time – to an image summarizing a piece of my past.

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Depuis mon dernier article, j’ai continué à lire mes livres « noirs ». Je m’en suis commandé encore. Et j’ai continué à coller.
Un des plus étranges collages est le no.49/12, car je l’ai immédiatement ressenti comme important. Formellement, il se rapproche davantage du « tableau » traditionnel que les autres. On y voit une figure nue au premier plan, devant une sorte de paysage, rappelant par ex. Giorgione ou le Titien etc. Mais toute la composition joue sur les ruptures, tout en empêchant l’image d’éclater. Un peu comme si un archéologue avait essayé de reconstituer un vase, mais en utilisant des tessons de diverses provenances. Et ces tessons me font penser à la Kabbale, à la brisure des vases. Bref, c’est un monde mal assemblé et la créature sanguinaire dont la tête est séparée du corps exprime ce même échec d’un assortiment réussi. Dans le paysage, je vois aussi la frontière, celle que j’ai traversé lorsque j’avais 5 ans, en passant du monde protégé de mon enfance vers la cruauté du home pour enfants, qi était situé dans un autre secteur de l’Allemagne occupé, donc sans lien avec mon foyer – dans un paysage alpin alors que je venais d’un pays plat comme une galette. Et les jeux d’ombres ? A quoi me renvoient-ils ? A mes fantômes ? Peut-être à mes peurs d’enfant. Pour le moment, je n’ai pas d’autres clés pour accéder au contenu de cette image. Elle continue à me troubler et à me demander de mieux la comprendre. Et je pense que le souvenir stimule l’imaginaire et enfante – de temps à autre – une image résumant un pan de mon passé.

Reading Aharon Appelfeld (Story of a Life) I was impressed enough to make some “black” collages. What is described in this story is so strong, so dark that it reminds me of a very ugly tale. Looking back at my own childhood, I realize how much I was protected, the horrors of that time coming to my conscience but in a diffuse form. I do not think I could have survived in the forest, alone, without my parents, like A. It is true that I was born 10 years after him and I was a baby then. My own way were the images, the imagination. And I realize now how it is haunted by cruelty. Today, one tries to relegate such images out of childhood, but I think it is a fundamental experience to see violence and lying around.
Now that I read the book G.Haddad: Lumières des astres éteints, I am shocked to learn that the scars of persecution are transmitted beyond words. It is true that my friend A.Matrat speaks about it extensively in his book Un corps ou les sept merveilles - Soleditions - Lyon – 2009 (http://www.uncorps7merveilles.fr), but it's the case studies that really touched me, especially the little boy who cries fire without "knowing" that his family is concerned by the Holocaust, showing a non-verbal and insidious transmission - the author speaks of nuclear radiation. I think of my mother, what she had to endure wearing the yellow star, of my grandmother beaten to death by Latvians in Riga, to my aunt who had returned from Theresienstadt, broken, sick, not wanting to cross the border from Holland to Germany where we were living and I did not make anything out of it except that she was way too plaintive. I still feel the shame today. Because I did not know how to speak to her as a human being, question her tactfully, in brief partake of her pain. I was between 10 to 15 years if I remember correctly.

My black collages are to be seen as haunted by conscious or unconscious memories, with a touch of humor and irony, of course, to avoid falling into tragedy and nightmare. For I am not infected with the past, fortunately, it does not stop me from living and creating, it's right there between the lines, arising from time to time in the course of collages.
At the process level, I try disruptive assemblies, at the limit of consistency, with a heavy black / white predominance and deformations. The latter illustrate the deviation from a pattern of a harmonious body (golden ratio, symmetry), which is essential for good self-image - as a glue that holds everything together. My creative process involves breaking the image while maintaining it whole, while maintaining a semblance of beauty.
It is this aspect that is particularly well seen by Cecil Touchon of the International Museum of Collage, Assemblage and Construction (collagemuseum.com) I publish on my site his introduction to my work with his permission. I take this opportunity to thank him for his interest in my work and his precious support. His museum will host a fair amount of my original collages for preservation.

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NOIR
La lecture d’Aharon Appelfeld (Histoire d’une Vie) m’a impressionné au point de faire quelques collages « noirs ». Ce qui est décrit dans ce récit est tellement fort, tellement sombre que cela me fait penser à un très vilain conte. A considérer ma propre enfance, je réalise à quel point j’ai été protégé, les horreurs de l’époque ne parvenant que sous forme diffuse à ma conscience. Je ne pense pas que j’aurais pu survivre dans la forêt, seul, sans mes parents, comme A. Il est vrai que je suis né 10 ans après lui et que j’étais un bébé à cette époque. Mon mode à moi, ce furent les images, l’imaginaire. Et je me rends compte aujourd’hui combien il est hanté par la cruauté. Aujourd’hui, on tente de reléguer ce genre d’images hors de l’enfance, mais je pense qu’il s’agit d’une expérience fondamentale que de constater la violence et le mensonge autour de soi.
Lisant maintenant le livre de G.Haddad : Lumières des astres éteints, je suis bouleversé d’apprendre que les séquelles de cette persécution se transmettent au-delà des mots. Il est vrai que mon ami A.Matrat en parle abondamment dans son ouvrage Un corps ou les sept merveilles - Soleditions - Lyon – 2009 (http://www.uncorps7merveilles.fr)>), mais c’est les cas concrets qui m’ont vraiment touché, notamment le cas du petit garçon qui crie au feu sans rien « savoir » que sa famille est concernée par la shoah, montrant ainsi une transmission non-verbale et insidieuse – l’auteur parle d’une radiation nucléaire. Je repense à ma mère, à ce qu’elle a dû endurer en portant l’étoile, à ma grand-mère battue à mort par des Lettons à Riga, à ma tante qui était revenue de Theresienstadt, cassée, maladive, ne voulant plus passer la frontière de la Hollande vers l’Allemagne où nous vivions et moi n’en comprenant rien, la trouvant trop plaintive. J’en éprouve encore de la honte aujourd’hui. Car je n’ai pas su lui parler en être humain, l’interroger avec tact, bref prendre part à sa douleur. J’avais entre 10 à 15 ans si je m’en souviens bien.
Mes collages noirs est donc à voir comme hantée par le souvenir conscient ou inconscient, avec un zeste d’humour et d’ironie bien sûr, pour ne pas tomber dans la tragédie et le cauchemar. Car je ne suis pas infecté par ce passé, heureusement, il ne m’empêche pas de vivre et de créer, il est juste là en filigrane, surgissant de temps à autre dans le fil des collages.
Au niveau du procédé, je tente des assemblages disruptifs, à la limite de la cohérence, avec une dominance noir/blanc et des déformations. Ces dernières illustrent bien la déviance par rapport à un schéma harmonieux des corps (nombre d’or, symétrie), qui est indispensable à une bonne image de soi – à la manière d’une colle qui tiendrait tout ensemble. Chez moi, mon procédé consiste à briser l’image tout en la maintenant entière, tout en maintenant un semblant de beauté.
C’est cet aspect qui a été particulièrement bien vu par Cecil Touchon de l’ International Museum of Collage, Assemblage and Construction (collagemuseum.com) dont je publie le texte sur mon site avec sa permission. Je profite de l’occasion pour le remercier de son intérêt pour mon travail et son soutien si précieux. C’est vers son musée qu’iront quantité de mes collages originaux pour y être conservés.

What shall one teach in a course in collage? Often, the technique is taught at the level of cut, glue and support. Yes, but that does not make the work more beautiful.
In my opinion, it is the assemblage technique that should be taught.
Called in a rehabilitation center, I gave a half-day collage workshop to two classes making collage regularly. The first group consisted of middle-aged adults and the other young adults, so that I could adapt different strategies and vary my teaching. I showed them what I was doing and asked them to make a collage on a chosen picture, like me, then to transform it. The problem is always the same: the result does not "stick" with intent. Or the process is too simplistic. Or the various elements do not fuse into one image. And that's the common critic of collages that clarifies all this with concrete examples. Of course, this may disillusion some the author of a collage, but in general, he knows in the depths of himself and I was thanked for my honesty by one of the young adults. The same happens also with a young student who is preparing her portfolio for admission to Art Schools and whom I coach.
Returning to my collage course, I found that 1) I was delighted to teach and 2) that I knew how to do it now. Maybe I can find more occasions to do so, even though my age is perhaps a handicap (?).

Enseigner le collage.

Que faut-il enseigner dans un cours de collage ? Souvent, on enseigne la technique au niveau de la découpe, de la colle et du support. Certes, mais cela ne rend pas l’œuvre plus belle.
A mon avis, c’est la technique d’assemblage qu’il faut enseigner.
Appelé dans un centre de réinsertion, j’ai donné une demi-journée de cours de collage à deux classes faisant du collage régulièrement. Le premier groupe était composé d’adultes d’âge moyen et l’autre de jeunes adultes, de sorte que j’ai pu adapter des stratégies différentes. Je leur ai montré ce que je faisais et leur ai demandé de faire un collage sur une photo choisie, comme moi, puis de la transformer. Le problème rencontré est toujours le même : le résultat ne « colle » pas avec l’intention. Ou le procédé est trop simpliste. Ou bien les différents éléments ne fusionnent pas en une image. Et c’est la critique en groupe des collages réalisés qui permet de clarifier tout cela, avec des exemples concrets. Evidemment, cela peut désillusionner un peu l’auteur d’un collage, mais en général, celui -ci le sait bien au fond de lui-même et j’ai été remercié pour ma franchise par l’un des jeunes adultes. La même chose se passe d’ailleurs avec une jeune étudiante qui prépare son dossier d’admission aux Ecoles d’Art et que je coache.
Revenant de mes cours de collage, j’ai constaté que 1) j’ai été ravi d’enseigner et 2) que savais comment le faire dorénavant. A voir, même si mon âge avancé constitue peut-être un handicap ( ?).