Collage shortcuts

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In this collage, I tried to "fill" the space in the manner of medieval painters of northern Germany, although there is an escape into the top left. There are also many small breaks between facets as in Cubist paintings because I wanted to see if the image could digest such treatment, if the picture still kept its consistency. The other reason is that it is a reconstructed collage using many fragments present on my desk. The main group resonates with baroque groups à la Titian, but any reference to ancient myths is absent (anyway, the current generation would have a hard time to decipher them). The female figure has become reminiscent of Beckmann. I love her face that turns languid and if you look closer and forgetting the top, you’ll discover a naughty smile. Is she trying to remove her upper garment? Who is the other character? Is he trying to extract a child of her womb? I do not know. This collage is a mystery to me. I have not even posted on facebook thinking it was too tight to be distributed other than on my site. When I behold, I seem to hear the music - because of the lute-shaped spot on the lap of the woman? No doubt. A memory of the Pastoral Concert? Maybe. But no remains of bucolic nature, the city has swallowed everything, all the ice is melting, the earth shakes and everything is upside down: Arcadian harmony is no longer but a ghost. This feeling is in my opinion offset by the presence of the female figure which is seized by several simultaneous movements, a disjointed but alive and sensitive doll.
Un collage qui m’est une énigme
Dans ce collage, j’ai essayé de « bourrer » l’espace à la manière des peintres médiévaux du Nord de l’Allemagne, même s’il y a une échappée vers le haut à gauche. Il y a également nombre de petites ruptures entre les plans comme chez le Cubistes car je voulais voir si l’image pouvait digérer un tel traitement, si l’image gardait malgré tout sa cohérence. L’autre raison est qu’il s’agit d’un collage recomposé à l’aide de nombreux fragments présents sur ma table de travail. Le groupe principal résonne avec des groupes baroques à la Titien, mais toute allusion à des mythes antiques est absente (de toute façon, les générations actuelles auraient beaucoup de mal à les déchiffrer). La figure féminine s’est imposée comme une réminiscence de Beckmann. J’aime son visage alangui qui se transforme, en y regardant de plus près et en oubliant le haut, en sourire coquin. Est-elle en train d’ôter le haut de son vêtement ? Que fait l’autre personnage ? Est-il en train d’extraire un enfant de son ventre ? Je ne le sais. Ce collage reste une énigme pour moi. Je ne l’ai même pas posté sur facebook pensant qu’il était trop hermétique pour être diffusé ailleurs que sur mon site. Quand je le contemple, j’ai l’impression d’entendre de la musique – à cause de la tache en forme de luth sur les genoux de la femme ? Sans doute. Un souvenir du Concert champêtre ? Peut-être. Mais il ne reste plus de nature bucolique, la ville a tout avalé, la glace est en train de fondre, la terre tremble et tout est sens dessus dessous l’harmonie arcadienne n’est plus qu’un fantôme. Ce sentiment est à mon sens contrebalancé par la présence de la figure féminine : elle est saisie dans plusieurs mouvements simultanés, poupée désarticulée mais vivante et sensible.

My collages flow is very fast, I'll try to take a moment on last week’s works to see if there are constants. Because often I wonder what is the connection between them other than an art project to do as spontaneously as possible.

Here we go:
- These 10 are figurative collages without being photomontages
- They comply with the laws of physics, but not the visual laws they transgress, because they are the result of a combination between disparate but plausible elements, (meat-dog; tooth- pointed)
- They represent humans or animals, or both at the same time
- They meet the "natural" color, but without search for realism.
- Spatial relationships are often exaggerated (488, 489), in the manner of a zooming in
- Images are expressive and show aggressive or paroxysmal reports
- They do not refer directly to artistic models ("Max Ernst") while assuming a Dadaist and Surrealist legacy. The most plausible reference would seem Expressionism as an art form, not as historical movement (1905-1918 approx.)
- The effect of collision between the visual elements seems to be my trademark.

- For me, the most "radical" collage in this regard is the no.490 "zoo." It is the fruit of a long struggle after which I decided to "sacrifice" a large part of the surface (left) covering head and paws of a leopard (?) and his playmate. At the beginning it was thought to be the image of a predator half-man half-animal toturing a victim on the ground. What bothered me the most was the too figurative scene, unable to turn the animal into a more human image. As I've written in this blog, I teach that you need to be able sacrificing the part of the image that is resistant to transformation by making a radical move to get out of the deadlock. Looking at it now, I think the mystery comes from this recovery. It has dragged the focus on the border between the gray and relatively abstract zone and the rest of the image that remained narrative. The happy effect is probably due also to the merger between cats and the wild predator.

- Well, enough for today, I return to my work table, a new collage, a new adventure awaits me ...

Regard rétrospectif sur une semaine de collages.
Mon flux de collages étant très rapide, je vais essayer de m’arrêter un instant sur la semaine passée afin de voir s’il y a des constantes. Car souvent, je me demande quel est le lien entre eux faute d’un projet artistique autre que d’en faire le plus spontanément possible.
Allons –y :
- les 8 collages sont figuratifs sans vouloir être des photomontages
- ils respectent les lois physiques, mais transgressent les lois visuelles, car ils sont le fruit d’un montage entre éléments hétéroclites, mais plausibles (viande –chien, dent- forme pointue)
- ils représentent des humains ou des animaux, voire les deux à la fois
- ils respectent les couleurs « naturelles », mais sans la rechercher.
- les rapports spatiaux sont souvent exagérés (488, 489), à la manière d’un zooming
- les images sont expressives et montrent des rapports agressifs ou paroxystiques
- elles ne se réfèrent pas à directement des modèles artistiques (« Max Ernst ») tout en assument un héritage dadaïste et surréaliste. La référence la plus plausible me semblerait l’expressionnisme en tant que forme d’expression artistique, pas comme mouvement historique (1905-1918 env.)
- l’effet de collision entre les éléments visuels semble être ma marque de fabrique.

- Pour moi, le collage le plus « radical » à cet égard est le no.490 « zoo ». Il est le fruit d’une longue lutte au bout de laquelle j’ai décidé de « sacrifier » une large partie de la surface (à gauche) recouvrant tête et pattes d’un félin et de son compagnon de jeu. Au début j’avais songé à faire l’image d’un prédateur mi-homme mi–animal s’acharnant sur une victime à terre. Ce qui me gênait le plus, c’était le côté trop bêtement (!) figuratif de la scène, n’arrivant pas à transformer l’animal pour en faire une image plus humaine. Comme je l’ai déjà écrit dans ce blog, j’enseigne qu’il faut savoir sacrifier la partie de l’image qui résiste à la transformation, en faisant un geste radical afin de pouvoir sortir d’une situation bloquée. A le regarder maintenant, je pense que son mystère provient de ce recouvrement qui a fait glisser le centre d’intérêt à la frontière entre la partie grise et relativement abstraite et le reste de l’image qui est resté narratif. L’heureux effet provient sans doute aussi de la fusion entre les chats et le grand prédateur sauvage.

- Voilà, assez pour aujourd’hui, je retourne à ma table de travail, un nouveau collage, une nouvelle aventure m’attend…

The Dark Ages

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This collage was, once again, the result of a happy accident. Starting from an ad I was not particularly interested in - the association between a withered body and jewelry does not offer many creative opportunities in my opinion. It is only when putting half the face with the black eye on the head that my attention was captured by the mocking face emerging from the darkness. The act of clinging to the chain, an echo of collage 476/12, becomes here more disturbing. I thought of Goya’s old witches , the idea of time that these old women spin. The necklace is the thread, of course. And then the character with machine guns came to be inserted into the composition, as an emanation or a puppet of the old witch who holds the thread. Her mocking eye seems to say: You know it is so, it cannot stop. She sees and the other is blind, he has no eyes. If he saw, he could no longer kill.
Furthermore, taking another point of view, I could also say that it is futile to cling to one’s jewelry when you're that old when danger and death are on the lookout.
As I said in my previous message, occasionally a nugget popped into the flow of my collages, encouraging me not to give up, to ignore the devil’s whispers in my ear: "It is time to stop, you've done enough, you're going around in circles, you repeat yourself, you have nothing more to say, look at Philip Roth l, at least he knows when to retire, he says he is released ... like so many other artists who made works of appeasement towards the end of their life ... " Well shit, soon 72 years old that’s not so old and then I have to catch up my years I had to work from morning to evening to earn a crust. My youth is now!
L’âge des ténèbres
Ce collage a été, une fois encore, le fruit d’un heureux hasard. La publicité ne m’avait pas particulièrement intéressé – l’association entre un corps flétri et des bijoux n’offre pas beaucoup de possibilités d’association à mon avis. Ce n’est qu’en posant la moitié du visage à l’œil noir sur la tête que mon attention a été captée par ce visage narquois émergeant de l’obscurité. Le geste de s’accrocher au collier, un écho au collage 476/12, devient ici plus inquiétant. J’ai pensé aux vieilles sorcières de Goya , à l’idée du temps que filent ces vieilles. Le collier étant le fil, bien sûr. Et puis, le personnage à la mitraillette est venu s’insérer dans la composition, comme une émanation ou une marionnette de la vieille sorcière qui tient les fils. Son œil narquois semble me dire : Tu sais bien que c’est ainsi, cela ne peut pas cesser. Elle voit, l’autre est aveugle, il est dépourvu d’yeux. S’il voyait, il ne pourrait plus tuer.
Par ailleurs, en prenant un autre point de vue, je pourrais aussi dire qu’il est futile de s’accrocher à ses bijoux quand on est si vieux que cela alors que le danger et la mort sont à l’affût.
Comme je l’ai dit dans mon précédent message, de temps en temps, un pépite surgit dans le flot de mes collages, m’encourageant à ne pas baisser les bras, à ignorer le diable qui me souffle à l’oreille : « Il est temps de t’arrêter, tu en as déjà fait assez, tu vas tourner en rond, te répéter, ne plus avoir quelque chose à dire, regarde Philip Roth, lui au moins sait prendre sa retraite, il dit qu’il est libéré… ne fais pas comme tant d’autres artistes qui ont fait des œuvres de complaisance vers la fin de leur vie… » Ben merde, bientôt 72 ans ce n’est pas vieux et puis, je dois rattraper mes années où je dû travailler du matin au soir pour gagner ma croûte. Ma jeunesse, c’est maintenant !

In the morning, I began to assemble the background of this collage, but I do not know where I was going to. What struck me is the light coming from the bottom.
Then we went to the movies, my wife and I, to see Haneke's film Love. Leaving the film, I was shaken, thinking about the years to come and insecurity of old age. Then I tried to return to normal.
Just before I got to bed, I glanced at the picture and I took a fragment of a photo of walking people photographing and it was a revelation. I immediately made the connection with the idea of death, even though I am not a believer, it is a representation found in NDEs and especially in J.Bosch and has a great evocative power. The fact that the characters are trying to photograph this glare is undoubtedly an illustration at absurdo of the attempt to capture the ineffable that resonates with Jewish wisdom.
I am aware of the beauty and power of this evocation and feel happy to have been able to create this image amidst such a flood of collages.
Actually, I was wondering if it led me into shallow waters, when I found this gold nugget.
And the devil whispers to me: What if it was your latest discovery? Vade retro, continuing my work, I shall end by finding a few other wonders.

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Le matin, j’avais commencé à assembles le fond de ce collage, mais je ne savais pas ce que j’allais y mettre. Ce qui m’avait frappé, c’est la lumière venant du fond.
Puis nous sommes allés au cinéma, ma femme et moi, voir le film de Haneke : Amour. En sortant du film, j’ai été secoué, pensant aux années à venir et à la précarité de la vieillesse. Puis j’ai essayé de revenir à la normale.
Juste avant d’aller me coucher, j’ai jeté un regard sur ce fond et j’ai pris ce bout de photo de gens marchant en photographiant et cela a été la révélation. J’ai immédiatement fait le lien avec l’idée de la mort, même si je ne suis absolument pas croyant, c’est une représentation qu’on trouve dans les NDE et, surtout, chez J.Bosch et qui est d’une grande puissance évocatrice. Le fait que les personnages soient en train de photographier cette lumière éblouissante est sans doute une illustration par l’absurde de la tentative de capter/capturer l’indicible qui résonne avec la sagesse juive.
Je suis conscient de la beauté et de la force de cette évocation et me sens heureux d’avoir su créer une telle image dans un tel flot de collages.
Justement, je me demandais si celui-ci me menait en eaux superficielles, là j’ai trouvé une pépite d’or.
Et le diable me murmure à l’oreille : Et si c’était ta dernière trouvaille ? Vade retro, en continuant mon labeur, je finirai bien par trouver encore quelques merveilles.

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It is the image of a disaster. It’s sept. 11. The tower collapsed and the collage shows rescuers at work. But this is not a real picture: it is a canvas on an easel. Someone painted or photographed this scene and in the forefront is a gigantic hand, in a gesture as if to catch what is collapsing. Too late! Almost too late. But I like this move even if it is useless. It expresses the desire to contain the disaster, to mitigate the fall. While I know, in real reality, the fall is fatal without damping. Maybe because of my advancing age, because I’m losing another tooth and nothing can stop that conspiracy inside me. Against me! And painting or photography are only evidence of the disaster, they can only testify what happened, try to freeze the moment. What is vain, for the next disaster is already preparing. Good life happens in the intervals between various more or less serious accidents and forgets this threat, because it should not happen, as one says.
All these observations converge on the fact that this image is illustrative or a demonstration. She is external. But this should not detract from its intrinsic value as a collage.

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It happened quite different for this one. I came across a photo of a child drinking directly from the udder of a cow or other dairy animal, I do not remember. There was an unusual side in this photo. I cut off the head with the nipple and fingers; I took it from my studio in Burgundy to Geneva. Here I separated the nipple from the mouth - the reason being too pornographic out of context - and fingers. After several attempts, the head came to rest on a photo of a model in black and white, and finally the fingers found their place against the mouth with the effects of light, giving the illusion of a glass.In a clever way, you could say it is a movement from the primitive suction to a civilized version or that there was censorship. But looking at the collage, I am disturbed by this mysterious head (one cannot see features) without eyes who tastes an indefinable liquid.
That image is closer to me by the mystery of its appearance and its enigma. It affects most secret areas of my being, I believe. And such images do not arise every day, they come when I'm ready to get caught up in their logic, to abandon my will and reason.

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C’est l’image d’une catastrophe. Celle du 11 sept. La tour s’est écroulée et on y voit les sauveteurs à l’œuvre. Mais ce n’est pas une image réelle : il s’agit d’une toile posée sur un chevalet. Quelqu’un a peint ou photographié cette scène et une main au 1er plan, gigantesque, a un geste comme si elle voulait rattraper ce qui est en train de s’écrouler. Trop tard ! Presque trop tard. Mais j’aime ce geste même s’il est inutile. Il exprime le désir de contenir la catastrophe, d’atténuer la chute. Alors que je sais que dans la réalité réelle, la chute est mortelle, sans amortissement. Peut-être parce que mon âge avance, que je perds encore une dent et que rien ne peut arrêter ce qui se trame là. Contre moi ! Et la peinture ou la photographie ne sont que témoignages de la catastrophe survenue, elles ne peuvent que témoigner de ce qui s’est passé, essayer de figer l’instant. Ce qui est vain, car la prochaine catastrophe se prépare déjà. La vie tranquille se passe dans les intervalles entre divers accidents plus ou moins graves et on oublie cette menace, car cela ne devrait pas arriver, se dit-on.
Toutes ces remarques convergent vers le fait que cette image est illustrative, voire démonstrative. Elle m’est extérieure. Ce qui n’enlève rien de sa valeur intrinsèque comme collage.
Cela s’est passé tout autrement pour celui-ci. Je suis tombé sur la photo d’un enfant buvant directement au pis d’une vache ou autre animal laitier, je ne m’en souviens pas. Il y avait un côté insolite dans cette photo. J’ai découpé la tête avec la tétine et les doigts, je l’ai emporté de mon atelier bourguignon à Genève. Là, j’ai séparé la tétine de la bouche – le motif étant trop pornographique hors contexte – et les doigts. Après plusieurs essais, la tête a échoué sur une photo de mannequin en noir et blanc, et enfin la main est venue se poser contre la bouche avec des effets de lumière, donnant l’illusion d’un verre. De manière savante, on pourrait dire qu’il s’agit d’un déplacement de la succion primitive vers sa version civilisée ou qu’il y a eu censure. Mais à regarder le collage, je suis troublé par cette tête mystérieuse (on ne voit pas de traits) sans yeux qui goûte un liquide indéfinissable.
Cette image-là m’est plus proche par le mystère de son apparition et son côté énigmatique. Elle touche des zones plus secrètes de mon être, me semble-t-il. Et de telles images ne surgissent pas tous les jours, elles viennent quand je suis prêt à me laisser entraîner dans leur logique, à abandonner ma volonté et ma raison.

The mad race of the artist

Reading two books on narcissism (C.Lasch: Culture of Narcissism, JMTwenge: The Narcissism Epidemic), I cannot help thinking - narcissistically - on my own condition. I am sometimes perceived as being selfish (your art is no.1 for you), or imbued with myself. I think the origin of this attitude lies in my years at the art school. My teacher at the Beaux-Arts I actually predicted me a glorious future, what I took for granted. In dangling prospect of big success, I forgot reality. And my failures were not only more bitter and demoralizing. I got not so often some compliments on my art, I had to admit that I was not the star shining in the sky of art, but an artist among a host of other artists, who too, were taken seriously and whose works were as respectable as mine. In the eve of my life, I become more realistic. I apparently accept my limitations and those of my job. What matters to me now is to create. Every day. Even though in my heart I think that my collages are so great ... But without this conviction, how can I continue my work day after day? It's like the race of my collage where a character slips into the skin of the jockey, clings to anything not to fall from his horse, trying to make one with the horse to cross the finish line to win the grand Prize.
In fact, I think I'm not a racehorse, but a "workhorse" - a workhorse pulling the plow to dig a trench.

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La course folle de l’artiste

Lisant deux livres sur le narcissisme (C.Lasch : Culture of Narcissism, J.M.Twenge : The Narcissism Epidemic), je ne peux m’empêcher de réfléchir – narcissiquement – sur ma propre condition. On me perçoit comme un être assez égoïste (ton art, c’est no.1 pour toi), voire imbu de moi-même. Je crois que l’origine de cette attitude est ancienne. Mon prof aux Beaux-Arts me prédisait en effet un glorieux avenir, ce que je prenais pour argent comptant. En me faisant miroiter une grande réussite, j’ai oublié la réalité. Et mes échecs n’en furent que plus cuisants et démoralisants. J’ai eu peu de compliments sur mon art, j’ai dû admettre que je n’étais pas l’astre qui brillait dans le ciel de l’art, mais un artiste parmi une foule d’autres artistes qui, eux aussi, se prenaient très au sérieux et dont les œuvres étaient aussi respectables que les miennes. Au soir de ma vie, je suis devenu plus réaliste. J’ai apparemment accepté mes limites et celles de mon métier. Ce qui compte désormais pour moi, c’est de créer. Tous les jours. Même si au fond de moi je pense que mes collages sont tellement géniaux…Mais sans cette conviction, comment continuer de travailler jour après jour ? C’est comme cette course où un personnage se glisse dans la peau du jockey, s’accroche à n’importe quoi pour ne pas tomber de cheval, essayant de faire un avec le destrier, de franchir la ligne d’arrivée pour remporter le grand prix.
En fait, je crois que je ne suis pas un cheval de course, mais un « workhorse » - un cheval de labour tirant la charrue pour creuser un sillon.

My latest collages (sept./12) are seized by some sort of frenzy since my visit to the exhibition of German “degenerate” art (see my previous post). What struck me in these works is the turmoil and freedom vis-à-vis forms. I realize that I was given a significant boost. I did not say to myself: And now you're going to do Expressionism. No, it's still underground springs that feed my creation. It is also a shift towards more"political" or critical works, especially through black humor. Yet I know that it is useless, that human folly is a permanent fact, but it helps. The collages are a comment; moralizing does not interest me, because I do not know if I'm right or not in what I believe. Anyway, I am mainly interested in how to shape what appears in front of me and surprises me by its connotations. And when I see the "likes" on Facebook, I am wondering about the choices of those who click. What do they see? What do they understand? What motivates them to click? I cannot get rid of a slight melancholy at the thought of it. The creator is and remains a loner, despite all networks and "friends."

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Mes derniers collages (sept.12) sont pris par une sorte de frénésie depuis ma visite de l’exposition sur l’art dit dégénéré allemand (cf. mon précédent post). Ce qui m’avait frappé dans ces œuvres, c’est la tourmente et la liberté vis-à-vis des formes. Je me rends compte que cela m’a donné une impulsion importante. Je ne me suis pas dit : Et maintenant, tu vas faire de l’expressionnisme. Non, c’est comme toujours à des sources souterraines que ma création se nourrit. C’est aussi une inflexion vers des œuvres plus « politiques », ou sociocritiques, surtout par le biais d’un humour noir. Je sais pourtant que cela ne sert à rien, que le la folie des hommes est un fait permanent, mais cela soulage. Il s’agit d’un commentaire, le côté moralisateur ne m’intéresse pas, car je ne sais pas si j’ai raison ou pas dans ce que je crois. De toute façon, je m’intéresse principalement au faire, à la forme qui jaillit devant moi et qui me surprend par ses connotations. Et quand je vois les « j’aime » sur Facebook, je reste songeur par rapport aux choix de ceux qui cliquent. Que voient-ils ? Que comprennent-ils ? Qu’est-ce qui motive leur clic ? Je ne saurais me défaire d’une légère mélancolie en songeant à cela. Le créateur est et reste un solitaire, malgré tous les réseaux et « amis ».

This weekend, we found ourselves in Aschaffenburg / Germany for a family visit. As we walked through the old town, I saw the poster of an exhibition of degenerate German art . The exhibition was a revelation to me. These artists mostly unknown to current literature on German art impressed and even excited me. I did not know there was such an artistic ferment in the 30s. The exhibition consists mainly of graphic works from the collection Gerhard Schneider. And it is in woodcuts and lithographs that one can see great strength, in an expressionist manner. And I felt connected to them.
For myself, I try to be the witness of my time while "verschollen" (disappeared) from the art circuit. Celebrity is for me like a projector beam which isolates a spectator in the audience. A blow to the left or right and someone else is lit. I'm currently reading: The Narcissism Epidemic, by JMTwenge, K.Campbell). I've written in this blog on this topic which concerns every artist . I beIieve that I am competent in my field of art, while recognizing that there may be other artists at least as "good” as me. My desire to be recognized, celebrated, adored is contained by this safeguard. And it is better, I think. As I am not subject to the dictates of duly surprise or shock with each new work, I can devote myself to create spontaneously, without any second thought.
To return to my "roots" in art, I find myself at home in this exhibition, although my expression and my concerns are different.
Between huge Jeff Koons Frankfurt / Main exhibit and the one in Aschaffenburg , my heart does not balance for a moment, because the brute Nazis had a luckier hand in choosing the "degenerate" works, rather than the current museum curators with their monster exhibitions.

Ce week-end, nous nous sommes trouvés à Aschaffenburg/Allemagne pour une visite familiale. En nous promenant dans la vieille ville, j’ai aperçu l’affiche d’une exposition sur l’art dégénéré allemand. L’exposition a été une révélation pour moi. Ces artistes, pour la plupart inconnus des publications courantes sur l’art allemand, m’ont impressionné voire enthousiasmé. J’ignorais qu’il y avait un tel bouillonnement artistique dans les années 30. L’exposition consiste essentiellement en des œuvres graphiques, de la collection Gerhard Schneider. Et c’est dans les gravures sur bois et les lithos que s’exprime une grande force, graphique, très expressionnistes. Et je me suis senti relié à eux. Car moi aussi, j’essaie d’être le témoin de mon temps tout en étant « verschollen » (disparu) par rapport au circuit de l’art. La notoriété est pour moi comme un faisceau de projecteur qui isole un spectateur dans le public. Un coup à gauche ou à droite et c’est quelqu’un d’autre qui se trouve éclairé. Je lis actuellement: The Narcissism Epidemic, J.M.Twenge, K.Campbell. J’ai déjà écrit dans ce blog sur ce thème qui concerne chaque créateur. Si je m’interroge, je me trouve compétent dans mon domaine artistique, tout en reconnaissant qu’il peut y avoir d’autres créateurs au moins aussi « bons que moi. Mon désir d’être reconnu, célébré, adulé est contenu par ce garde-fou. Et cela vaut mieux, il me semble. Comme cela, je ne suis pas soumis au diktat de devoir surprendre ou choquer avec chaque nouvelle œuvre, mais je peux me consacrer à créer en toute spontanéité, sans arrière-pensée.
Pour revenir à mes « racines » artistiques, je me retrouve dans cette exposition, même si mon expression et mes préoccupations sont bien différentes.
Entre la grande exposition Jeff Koons à Francfort/Main et celle d’Aschaffenburg, mon cœur ne balance pas un instant, car les Nazis avaient la main heureuse en choisissant les œuvres « dégénérées », bien plus que les curateurs de musées actuels avec leurs grands bastringues.

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I’ve made these two collages with a 6 years difference. As with other images, I remembered immediately that I had already made a collage on this theme, despite the abundance of works. In fact, I struggled to find the image of 2006, because I could not remember its title. I had to go through a lot of pages before finding it. My dark side had whispered in my ear that I had once again repeated myself and that I began to take up always the same themes, that I was unable of renewal and innovation. I had to react to it and compare. No, they are not identical images. The theme is near and the picture some way too, but content and composition are quite different.
In 2006, I am referring to Palestinian suicide bombers, the wall erected between Israel and the occupied territories. But, nevertheless, there is a glamor or Bonnie & Clyde style in their pose. Because they pose to others as well as for themselves. There is still romance in this destructive nihilism. In 2012, the collage focuses on the couple's threatening suicide bomber faces (Chechen, I think), all gaiety is gone, there is no more glamour - just a pose that tries to auto-confirm. This is a story that takes place between them only and via the mirror. The third party is excluded. Supreme narcissism that can only end in destruction.
Obviously, this situation is terrible. But the good side is that my collages evolve over the years and I do not just look at me in the mirror fleeting web pages.

J’ai fait ces deux collages à 6 ans de différence. Comme pour d’autres images, je me suis rappelé tout de suite que j’avais déjà traité ce motif malgré l’abondance des œuvres. En fait, j’ai eu du mal à retrouver l’image de 2006, car je ne me rappelais plus son titre. J’ai dû parcourir pas mal de pages avant de la trouver. Et ma part d’ombre m’avait chuchoté que je m’étais encore une fois répété, que je commençais à reprendre toujours les mêmes thèmes, que j’étais en panne de renouvellement, d’innovation. Il a fallu réagir à cela et comparer. Non, ce ne sont pas des images identiques. Le thème est proche, le motif également, mais le contenu et la mise en images est très différente.
En 2006, je me réfère aux Palestiniens kamikazes, au mur érigé entre Israël et les territoires occupés. Mais, et malgré tout, il y a un côté glamour ou Bonnie & Clyde dans leur pose. Car ils posent pour les autres aussi bien que pour eux-mêmes. Il y a encore du romantisme dans ce nihilisme autodestructeur. En 2012, le collage se concentre sur les visages menaçants du couple kamikaze (tchétchène, je crois), toute gaîté a disparu, il n’y a plus de glamour - juste une pose qui cherche à s’auto-confirmer. C’est une histoire qui se passe entre eux et eux par le truchement du miroir. Le tiers est exclu. Narcissisme suprême qui ne peut finir que dans la destruction.
Evidemment, ce constat est terrible. Mais le bon côté, c’est que mes collages évoluent avec les années et que je ne me contente pas de me contempler dans le miroir fugace des pages internet.

Usually, I spray. It's simple and convenient, but it smells. Liquid glue is odorless, but it brings me back into painting. I do not want to go back to it. I want to stay on the dry side. It is without doubt the fact of using a paintbrush to glue the piece of paper that creates the embarrassment in me. It puts me in the times when I glued plenty of papers (with acrylic glue applied with a brush) on my old paintings. I hardly bear a glue stick that has a nasty habit of making groats, putting too much glue on paper, creating beads and other unsightly ripples. I could easily work around this problem by sticking my papers on heavier media, less fragile than a paper magazine, but then it would become something else, closer to painting than what I’m aiming for: a fragile work in paper. To illustrate my point, here is the example of collages given long ago to my nephew Ol. When I visited him recently, I noticed that he had simply taped them to the wall. I was first horrified, realizing how much they had suffered from dust, displaying some blunders in the use of a liquid resembling to coffee, not to mention the yellowing due to light. Yet I have said nothing, thinking that the works are now under his responsibility. And very recently, he has given them back to me in order to scan them, because he wants to order prints on canvas. With PS, I was able to repair the outrages and obtain renovated images. In the closer view, I thought that these collages were good and that the paper collage was better than the painting I had wanted to do. As proof, I put them face to face. The collage seems to me closer to my intent, the painting gradually emancipated, it wanted to live its own life and has forced its existence on me. At the end, I was exhausted and I wrote what I lived on the very painting (fairly illegible). So I would say that the painting opposes me, while the collage - perhaps this is due to its small size - is one with me when I make it. That's why I prefer to stay dry.

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Colles – une question de choix
Habituellement, je colle au spray. C’est simple et pratique, mais ça sent mauvais. La colle liquide est inodore, mais elle me replonge dans la peinture. Or je n’ai pas envie de retourner vers elle. Je veux rester dans le sec. C’est sans le doute le fait d’utiliser un pinceau pour encoller le morceau de papier qui crée cette gêne chez moi. Cela me remet dans la période où je collais plein de papiers (à la colle acrylique appliquée au pinceau) sur mes anciennes toiles. Je supporte tout juste le bâton de colle qui a la fâcheuse habitude de partir en gruaux, d’en mettre trop sur le papier, de créer des bourrelets et autres ondulations disgracieux. Je pourrais aisément contourner ce problème en collant mes papiers sur un support plus épais, mois fragile que le papier d’un magazine, mais alors, cela deviendrait autre chose, plus proche du tableau que de ce que je veux obtenir : une œuvre fragile en papier. Pour illustrer mon propos, voici l’exemple de collages donnés il y a bien longtemps à mon neveux Ol. Quand je suis allé le voir dernièrement, j’ai constaté qu’il les avait simplement scotchés au mur. J’en ai été tout d’abord horrifié, constatant qu’ils avaient souffert de la poussière, de quelques maladresses dues au maniement d’un liquide ressemblant à du café, sans parler du jaunissement dû à la lumière. Pourtant, je n’ai rien dit, pensant que les œuvres étant dorénavant sous sa responsabilité. Et puis, très récemment, il me les a redonnées pour que je les lui scanne, car il veut commander des tirages sur toile. Grâce à PS, j’ai pu réparer les outrages et obtenir des images rénovées. En les regardant de plus près, je me suis dit que ces collages étaient bien et que le collage papier était supérieur au tableau que j’avais voulu en faire. Pour preuve, je les mets face à face : le collage me semble plus proche de mon intention, le tableau s’est progressivement émancipé, il a voulu vivre sa propre vie et s’est imposé à moi. A la fin, je n’en pouvais plus et j’ai écrit ce qui m’habitait sur le tableau même (de manière assez illisible). Je dirais donc que le tableau me fait face, alors que le collage – peut-être est-ce dû à sa taille restreinte - fait un avec moi au moment où je le fais. Voilà pourquoi je préfère rester au sec.