Collage shortcuts

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This picture reminds me of my child's condition.
First because I had the feeling of being enclosed in a casing which does not obey me as I want. This manifested itself especially when they started to force my right hand for gestures such as brushing teeth and especially writing. Because I'm left handed. And often linkish with instruments designed for right handers. Such as scissors. I am using them with my right hand, otherwise I can not do it. The object refuses its use. In short, I suffered violence to force myself to take the right hand for many actions that are automatic now.
Planes, it is war and there are attacks of allied bombers and fighters. Again, I felt helpless (I was just 4 years old when the war ended).
And I also see myself as this button which is dragged around, which was my case, although the comparison with the stories of hidden Jewish children I consider myself highly privileged.
The side of the mismatched suit (combinaison in french) reminds me of an undergarment made ​​of a one piece that was called exactly combination and the comfort of which was poor. In this regard, I find that my subconscious has worked fine here, thank you. Open, close buttons, tying shoe laces which were made of thick square leather laces, wearing knitted pants – all these things appeared to me as obstacles.
But under the helmet, the dream was master. And facing these the difficulties, I probably partially migrated into a fantasy world that feeds me yet.

Scaphandre

Cette image m'a rappelé mon état d'enfant.
D'abord parce que j'ai eu l'impression d'être enfermé dans une carcasse qui ne m'obéit pas comme je le voudrais. Cela s'est manifesté surtout quand on s'est mis à me forcer la main ... droite pour les gestes tel que le brossage des dents et surtout l'écriture. Car je suis gaucher. Et souvent gauche avec des instruments conçus pour la main droite. Comme les ciseaux par ex. Que je tiens avec la main droite, autrement je n'y arrive pas. L'objet refuse son utilisation. Bref, on m'a fait violence en me forçant à adopter la main droite pour bien des gestes qui sont automatiques aujourd'hui.
Les avions, c'est la guerre et les attaques de bombardiers et de chasseurs alliés. Là encore, je me sentais démuni (j'avais tout juste 4 ans quand la guerre s'est terminée).
Et je me vois aussi comme ce bouton qui est trimbalé de gauche à droite, ce qui a été mon cas, même si à la comparaison avec les récits d'enfants juifs cachés je dois me considérer comme privilégié.
Le côté mal assorti de la combinaison me rappelle un sous-vêtement fait d'une pièce qui s'appelait justement combinaison et dont le confort laissait à désirer. A ce propos, je trouve que mon inconscient a bien fait les choses ici, merci. Ouvrir, fermer des boutons, lacer les chaussures dont les lacets étaient faits en cuir de section carrée, porter des culottes tricotées m'ont paru des obstacles.
Mais sous le casque, le rêve était maître. Et devant les difficultés, j'ai sans doute partiellement émigré dans un monde fantasmatique qui me nourrit encore.

Initially, a photo and reproduction. The assemblage seems funny. The rest happens quickly in small steps. A single hesitation, the head of Lazarus. I wanted an Africa-Asia-Europe mixture, while keeping the character's smile. What interests me here is the misuse of the religious scene, the Lamentation of Christ becoming the Resurrection of Lazarus - and hints like the blue cape or the veiled woman in a soap box that seems to go to the accident, despite the bolts that hold the vehicle on the beam. I also like the asymmetry between the left and right, as between two worlds that ignore each other. Sometimes I feel like Lazarus, knowing me alive and healthy after my surgery. Even my hair and my hair grow a little: from an old hairless baby, I become a teenager (again), seeing in my mirror a beard who calls from time to time a slight razor cut. And I am supported, as in the picture. No one knows what Lazarus became after the miracle, but I like to imagine him happy, enjoying life and health that have no price.

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Au départ, une photo et une reproduction. L’assemblage me semble rigolo. Le reste se fait rapidement par petites touches. Une seule hésitation, la tête de Lazare. J’ai voulu un mélange Afrique-Asie-Europe, tout en gardant le sourire du personnage.
Ce qui m’intéresse, c’est le détournement de la scène religieuse –la Déploration du Christ devenant résurrection de Lazare - et des clins d’œil comme par ex. la cape bleue ou la femme voilée dans une caisse à savon qui semble aller vers l’accident, malgré les boulons qui la retiennent sur la poutre. J’aime aussi la dissymétrie entre la droite et la gauche, comme entre deux mondes qui s’ignorent.
Je me sens quelquefois un peu comme Lazare, me sachant vivant et en bonne santé après mon opération. Même mes cheveux et mes poils se remettent à pousser un peu : de vieux bébé glabre, je redeviens adolescent, contemplant dans mon miroir une barbe naissante qui appelle de temps à autre un léger coup de rasoir. Et soutenu je le suis, comme sur l’image. On ne sait point ce que Lazare est devenu après le miracle, mais je me plais à l’imaginer heureux, goûtant la vie et la santé qui n’ont pas de prix.

Today, I would like to comment on the collage 175/12. It is approx.. 16 days old (I just finished the no. 191). And it is apparently very simple. Sometimes I tell myself that my collages are too simple, often a little sloppy. But soon after I correct myself: no, they are as they should be. The 175 consists of a head and a fragment of a baby, held between two white teeth. One eye is down, the other is watching. A piece of the head is held like a mask in front (?) of a figure resembling that of a Tibetan lama. When I made this collage, I thought of a birth, a word that comes to life. Yet the face is double: the teeth are reminiscent of the wolf in grandmother. But it is also possible that this other part of the face is an invitation to understand this mystery, to go beneath the surface of things to understand? Perhaps. Now I think of the wise men and women, the difficulty of seeing clearly, to understand. The mystery of birth and death. And more trivial, the beautifully silent paintings of La Tour. And the other half of the face questions me: And you Berni, who are more in the tumult than in the quiet, why are your works so agitated? Because it is the mirror of the world. And it's my job to polish it every day.

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Aujourd’hui, j’ai envie de commenter le collage 175/12. Il est vieux de 16 jours env. (je viens d’achever le no. 191). Il est très simple. Quelquefois je me dis que mes collages sont trop simples, souvent un peu bâclés. Mais aussitôt après je corrige : non, ils sont comme ils doivent être. Le 175 consiste donc en une tête et un fragment de bébé, tenu entre deux dents blanches. Un œil est baissé, l’autre nous regarde. Un morceau de la tête est tenu comme un masque devant ( ?) la figure qui ressemble à celle d’un lama tibétain. Quand j’ai fait ce collage, j’ai pensé à une naissance, à une parole qui venait à la vie. Pourtant le visage est double et les dents font penser au loup déguisé en grand-mère. Mais il se pourrait aussi que cette autre partie du visage constitue une invite à comprendre ce mystère, à aller sous la surface des choses pour mieux comprendre ? Peut-être. Maintenant, je pense aux sages, à la difficulté de voir clair, de bien comprendre. Au mystère de la naissance et de la mort. Et de manière plus triviale, aux magnifiques peintures silencieuses de La Tour. Et l’autre moitié du visage m’interroge. Et toi Berni, qui es plus souvent dans le tumulte que dans la quiétude, pourquoi fais- tu des œuvres si agitées ? Parce que c’est le miroir du monde. Et que c’est mon job de le polir jour après jour.

I tried to upgrade an old painting by gluing a piece of a face on it, but I have not experienced the expected sensations . I remain, for now, in my realm of magazine collage. What I see is that I oscillate between the beautiful and the monstrous. I know that my monster faces may seem repulsive and that they demand an effort of reading. I also know that in principle it is not the best way to raise the "like" on Facebook, for example. But it is the image that controls, not the desire to seduce. And the image is demanding, it has its own laws, it does not support the compromise - at least in my eyes. It wants to renew, wash my eyes, surprise me. How not to succumb to this game? I've never understood how anyone could be locked into a stereotyped style, in a tireless repetition of what has been done so many times? I prefer to discover new connections, new combinations. I realize that for me it is not so much the subject, or rather the story, that counts, but primarily the arrangement of pieces in a radically new and original way.
A discovery for me is macrophotography. With my camera, I approach flowers and explore colorful spaces that remind me of abstract paintings I wanted to do with my lacquer works. For now, I have limited myself to two half-wilted tulips in my garden and some iris, I saw at my neighbor’s and in a park in Geneva. It reminds me of the shock when I saw the Cousteau film, The Silent World. I felt like diving into a new universe.
That’s what I am after every day.

Quoi de neuf au mois de mai?
J’ai essayé de transformer une ancienne peinture en y collant un bout de visage, mais je n’ai pas éprouvé les sensations espérées. Je reste, pour le moment, dans mon royaume du collage magazine. Ce que je constate, c’est que j’oscille entre le beau et le monstrueux. Je sais bien que mes visages de monstres peuvent paraître repoussants et qu’ils demandent un effort de lecture. Je sais également qu’en principe, ce n’est pas la meilleure manière de récolter des « j’aime » sur Facebook, par ex. Mais c’est l’image qui commande, pas le désir de séduire. Et l’image est exigeante, elle a ses propres lois, elle ne supporte pas la compromission – en tout cas à mes yeux à moi. Elle veut se renouveler, laver mes yeux, me surprendre. Comment ne pas succomber à ce jeu ? Je n’ai jamais compris comment on pouvait s’enfermer dans un style stéréotypé, dans une répétition inlassable de ce qu’on a déjà fait tant de fois ? Je préfère découvrir de nouveaux assemblages, de nouvelles combinaisons. Je me rends bien compte que chez moi ce n’est pas tant le sujet, ou plutôt l’anecdote, qui compte, mais avant tout l’arrangement des morceaux dans tout radicalement nouveau et inédit.
Une découverte pour moi est la macrophotographie. Avec mon appareil photo, je m’approche de fleurs et explore des espaces colorés qui me font penser à de la peinture abstraite, à ce que je voulais faire avec mes laques. Pour l’instant, je me suis borné à deux tulipes à moitié fanées de mon jardin bourguignon et à quelques iris, vus chez mon voisin et dans un parc à Genève. Cela me rappelle le choc quand j’ai vu le film de Cousteau, Le Monde du Silence. J’ai eu l’impression de plonger dans un univers nouveau.
C’est cela que je recherche chaque jour.

After a visit of the Museo Reina Sofia in Madrid and the Prado, here some thoughts.
The Reina Sofia is a huge building containing mostly contemporary works and especially Guernica. What struck me is how the contemporary works are intellectual and how they avoid the appeal to emotion. We see that the paradigm of art has changed since Picasso whose works always are emotionally violent. Since, art displays itself refrigerated, here in an environment reminiscent of a barrack. All this vastness devoted to this coldness! And that's not enough. It takes even more. Thus, at the Palacio Velasquez, really beautiful building, we see the works of Spanish artist Nacho Criado, which, among other things, refers to the crucifixion of Matthias Grünewald. I am familiar with this work that I venerate. I think it attests to human suffering, pain before death, and possibly going further - the injustice of this world that puts a man on the cross. All this against a background of wars, epidemics and other curses. As for his pictorial quality, it was a summit regarding the design and color, composition, expressivity etc. Unnecessary to deal further, many have already written about this work, and much better than myself.
Now what do we see in the Palacio Velasquez? Three truncated iron crosses placed on the white wall. And that's all. The relation to Grünewald’s masterpiece seems hardly noticeable. The three crosses? They are in all painted crucifixions. But then what? It seems to me that this follower of Duchamp wanted to make an object from the altar, virtually eliminatin everything, so we end up with a sign whose referent is very vague and whose meaning is so poor that it receives its justification only by the prestigious context in which it stands and the reference to the original. It's like Duchamp's mustachioed Gioconda a pastiche, a gag.
That's the situation: the content, the narrative are eliminated, the legacy violated. Looking through the Prado, and contemplating the religious Baroque works, it becomes obvious to me that we certainly have more creative freedom now but we created an empty shell, just like our whole society.
Arrived before the Deposition by R.van der Weyden, I feel a shock at this huge work. I know it since long ago, I read the analysis of Panofsky, watched many reproductions, but standing in front of the original so bright, looking so freshly painted, I am flabbergasted by the evocative power that emanates from this work. In fact, it impresses me even more than Guernica. Why is that? The very flat area which densifies the characters? Their moving expressions? Their expensive clothes? The abstract background? I do not know. But I know that I stand before a masterpiece that speaks to me deep.
And this has never happened to me with a contemporary work.

Après la visite du Museo Reina Sofia à Madrid et du Prado, voici ces quelques réflexions.
Le musée Reina Sofia est un immense bâtiment contenant majoritairement des œuvres contemporaines et surtout Guernica. Ce qui m’a frappé, c’est à quel point les œuvres contemporaines sont intellectuelles et combien elles évitent l’appel à l’émotion. On voit que le paradigme de l’art a changé depuis Picasso dont les œuvres dégagent toujours une charge émotionnelle violente. Depuis, l’art se montre froid, ici dans un environnement faisant penser à une caserne. Toute cette vastitude pour cela ! Et ce n’est pas assez. Il en faut encore davantage. Ainsi, au Palacio Velasquez, construction vraiment très belle, on voit les œuvres d’un artiste espagnol, Nacho Criado, qui, entre autres, fait référence à la crucifixion de Matthias Grünewald. Je connais bien cette œuvre que je vénère . A mon avis, elle témoigne de la souffrance humaine, de la douleur devant la mort et, éventuellement, en allant plus loin – de l’injustice de ce monde qui met un homme sur la croix. Tout cela sur fond de guerres, d’épidémies et autres malédictions. Quant à sa qualité picturale, elle constitue un sommet en ce qui concerne le dessin et la couleur, la composition, les expressions des personnages etc. Inutile de m’étendre davantage, beaucoup ont déjà écrit sur cette oeuvre, et bien mieux que moi-même.
Or que voit-on dans le Palacio Vélasquez ? Trois croix tronquées en fer disposées sur le mur blanc. Et c’est tout. Le rapport avec Grünewald me semble guère perceptible. Les 3 croix ? Il y en a dans toutes les crucifixions peintes. Mais alors quoi ? Il me semble que cet épigone de Duchamp ait voulu faire un objet à partir du retable, en éliminant pratiquement tout, de sorte qu’on se retrouve avec un signe dont le référent est très vague et dont la signification est si pauvre qu’il ne reçoit sa justification d’être que par le contexte prestigieux dans lequel il se trouve et par le jeu du renvoi à l’original. C’est comme la Gioconde moustachue de Duchamp un pastiche, un gag.
Voilà bien la situation : le contenu, la narration sont éliminés, l’héritage bafoué. En parcourant le Prado, et en contemplant les œuvres religieuses baroques, il me devient évident que nous avons certes davantage de liberté de création mais que nous avons créé des coquilles vides, à l’image de notre société tout entière.
Arrivé devant la Descente de Croix de R.van der Weyden, j’éprouve un choc devant cette œuvre de grande taille. Je la connais pourtant depuis longtemps, j’ai lu l’analyse de Panofsky, regardé maintes reproductions, mais devant l’original si lumineux, paraissant fraichement peint, je suis sidéré par la puissance d’évocation qui émane de ce tableau. En fait, il m’impressionne encore davantage que Guernica. Comment l’expliquer ? L’espace très plat qui densifie les personnages ? Leurs expressions bouleversantes ? Leurs habits somptueux ? Le fond abstrait ? Je ne sais pas. Mais je sais que suis devant un chef d’œuvre. Qui me parle au plus profond.
Et cela ne m’est jamais arrivé devant une œuvre contemporaine.

In preparing some images for a website, I looked through the paintings of 20002-2003, reworked in 2007-2009 - bits of magazine photos glued on these big paintings. At the time, I thought it was sacrilegious and not necessarily well. But looking closer, I must say I am surprised by some of the works. I find them challenging and successful. So I tell myself that this summer, I will unroll a number of old paintings and divert / complement / improve them. There are at least hundred of them awaiting resurrection. Wait for me, I'm coming!

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En préparant quelques images pour un site internet, j'ai parcouru les peintures de 2002-2003, retravaillées en 2007-2009 - collant des bouts de photos de magazines sur ces grandes peintures. A l'époque, je pensais que c'était sacrilège et pas forcément bien. Mais en y regardant de plus près, je dois dire que je suis surpris par certaines oeuvres. Je les trouve audacieuses et réussies. Je me dis donc que, cet été, je vais dérouler un certain nombre de toiles et m'amuser à les détourner/compléter/améliorer. Il y en a au moins une centaines qui attendent leur résurrection. Attendez-moi, j'arrive!

I could comment a lot of collages, as the machine continues to run, but I choose a today’s collage. It shows a huge helmeted woman in her bath, as little men trying to join in. There is, of course, a mythological allusion here to the fountain of youth, of which this collage shows a piece taken from Cranach or his school. (This is not the one I cut up, but it is close). But for me, this is primarily a satire of our time in terms of desire to stay young. Everyone tries to avoid the ravages of age, often taking refuge in a "mental" age much younger than the actual one. Of course I would, too, grow old as little as possible, but preferably stay fit at my brain and joints, and not necessarily in my appearance. I do not try to enter the bathtub, drown in it my sense of reality (and ridiculous) to this goddess. In fact I feel the age I am, that's all. This is reality. And then, this goddess is helmeted herself, probably not to see the drowned (?) in the magical water , to ignore the consequences of her action.

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I like this naive painting by Cranach , I always have. And what adds to my pleasure is that our house is near a village formerly called Youth.
Je pourrais commenter pas mal de collages, puisque la machine continue à tourner, mais je choisis un collage d’aujourd’hui. Il montre une gigantesque femme casquée dans son bain que de petits hommes cherchent à rejoindre. Il y a, évidemment, une allusion mythologique ici, au bain de jouvence, dont le collage montre un bout pris chez Cranach ou son école. Mais pour moi, il s’agit avant tout d’une satire de notre époque en ce qui concerne du désir de rester jeune. Tout le monde cherche à éviter les ravages de l’âge, souvent en se réfugiant dans un âge « mental » beaucoup plus jeune que l’âge réel. Bien sûr que je voudrais, moi aussi, vieillir le moins possible, mais de préférence rester en forme au niveau de mon cerveau et de mes articulations, pas forcément dans mon apparence. Je n’essaierai donc pas d’entrer dans le bain, d’y noyer mon sens de la réalité (et du ridicule) auprès de cette déesse. En fait je me sens l’âge que j’ai, voilà tout. C’est la réalité. Et puis, cette déesse est casquée elle-même, sans doute pour ne pas voir les noyés ( ?) dans l’eau magique, pour ignorer les conséquences de son action.
J’aime bien cette peinture bien naïve de Cranach, je l’aime depuis toujours. Et ce qui s’ajoute à mon plaisir, c’est le fait que notre maison se trouve près d’un village qui s’appelait autrefois Jouvence.

Seized by ... the disease. I think this collage has to do with my brother’s Alzheimer's disease recently diagnosed.
If I refer to the photo I had published, where I jumped over him from behind, I see an analogy in the gesture. At the time, it was a game, like children. But without the photo, I never would have guessed that he was frightened. This was a revelation for me. I had this power over him. And he was weaker than it used to appear.
Today, they are helping hands that land on his shoulders and I say to myself that these are - among others - mine. They are trying - unsuccessfully - to prevent an announced breakup, to support a severely shattered moral . Well, for now he’s OK, we converse on the phone - almost – as always, but I cannot help thinking about his illness.
It is curious to note that I find myself with a half-sister (much older) who no longer recognizes me and an older brother threatened the same fate. Who am I following? The father who had symptoms of straying toward the beginning of his 70 years or my mother - with a few fantasies of somebody stealing her silverware and clothings - who continued to speak with me as always, till the final year, at 99 years?

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Saisi par… la maladie. Je pense que ce collage a un rapport avec la maladie d’Alzheimer diagnostiquée chez mon frère.
Si je me rapporte à la photo que j’avais publiée, où je lui sautais dessus par derrière, je vois une analogie dans le geste. A l’époque, c’était un jeu, à la manière des enfants. Mais sans la photo, je n’aurais jamais deviné qu’il avait eu peur. Cela fut une révélation pour moi. J’avais ce pouvoir sur lui. Et il était plus faible qu’il n’y paraissait.
Aujourd’hui, ce sont des mains secourables qui se posent sur ses épaules et je me dis que ce sont – parmi d’autres – les miennes. Elles essaient – vainement - d’empêcher une dislocation annoncée, de soutenir un moral soumis à rude épreuve. Bon, pour l’instant il va, nous conversons au téléphone comme – presque – d’habitude, mais je ne peux m’empêcher de penser à sa maladie.
Il est curieux de noter que je me retrouve avec une demi-sœur (bien plus âgée) qui ne me reconnaît plus et un frère aîné menacé du même sort. De qui tiens-je ? Du père qui présentait des symptômes d’égarement vers le début de ses 70 ans ou de ma mère qui à part quelques fantasmes de vol de son argenterie et de vêtements continuait de raisonner comme toujours, jusqu’à toute dernière année, à 99 ans ?

This collage is of March 11 and it occupies a somewhat peculiar place in the flood of images, since this is a classic arrangement: two characters and a dog in a landscape, while generally, I prefer the close-up.
But in fact, everything is wrong with this composition and everything works perfectly, however.

For the "mistakes": The woman in the foreground is "dominated" by means of the plan, supporting the idea of the real domination between rich and poor, beautiful and ugly etc. In addition, the bodies are extended in a haphazard way but logical in terms of anatomy, like e.g. stones in the palms of the upper right corner. Some plans are arbitrarily cut. The image is mixing paint (or rather its representation) and advertising photography and reportage: there is confusion of genres.

Regarding the successful: the image functions as such despite the breaks, it's this little miracle that I like in the collage. The shapes fit together like a jigsaw puzzle and the final image finally appears.

It remains to speak a bit of content: addition to the domination of the poor by the rich, I see also an environmental component (yes yes), between blue heaven and dump waste below, as I could see in Bintan, Indonesia where the beaches are polluted to the extreme; an allusion to the misery of the world compared to the beautiful images of fashion magazines that I use for their abundance of human figures; and, with a touch of irony, the use of this figure painted by a famous Swiss painter on behalf of whom my art teacher said, "Go see his exhibition, to see how you should not paint!" It’s taken from a book on this painter which a friend and painter wanted to get rid of which one can see the arabesques in the background of some of my black collages.
It’s a curious image, almost surreal if it did not speak of the world in which I live. And probably of me as well, as I see myself rather below than above in the image, much like Jeremiah contemplating the ruins of Jerusalem. In sum, this composition seems a little sad and ironic, without going into self-compassion (Selbstbemitleidung).

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Ce collage date du 11 mars et il occupe une place un peu singulière dans le flot des images, puisqu’il s’agit d’un arrangement classique : deux personnages et un chien dans un paysage, alors que généralement, je privilégie le gros plan.
Mais en fait, tout cloche dans cette composition et tout marche à merveille cependant.
Pour les « fautes » : La femme du premier plan est « dominée » par celle du moyen plan, renforçant l’idée de la domination réelle entre riche et pauvre, beau et laid etc. En plus, les corps se prolongent de manière hasardeuse mais logique du point de vue de l’anatomie, tout comme par ex. les pierres dans les feuilles de palmier du coin supérieur droit. Certains plans sont coupés de manière arbitraire. L’image mélange peinture (ou plutôt sa reproduction) et photo publicitaire et de reportage : il y a confusion de genres.
Pour ce qui est réussi : l’image fonctionne comme telle malgré les ruptures, c’est ce petit miracle qui me plaît tant dans le collage. Les formes s’assemblent comme dans un puzzle et l’image finale apparaît enfin.
Il me reste à parler un peu du contenu : outre la domination, j’y vois également un volet environnemental (mais oui), entre le ciel carte postale et le dépotoir en-dessous, tel que j’ai pu le voir à Bintan, Indonésie où les plages sont polluées à l’extrême ; une allusion à la misère du monde comparée aux belles images des magazines de mode que j’utilise pour leur abondance de figures humaines ; et, avec une pointe d’ironie, l’utilisation de cette figure peinte par un peintre suisse notoire dont mon professeur de dessin disait : « Allez voir son exposition, pour voir comment il ne faut pas peindre ! », prise dans un livre dont une amie peintre voulait se débarrasser et dont on peut voir les arabesques molles en fond de certains de mes collages noirs.
Image curieuse, presque surréaliste si elle ne parlait pas du monde dans lequel je vis. Et de moi sans doute qui me vois plutôt en bas qu’en haut de cette image, un peu comme Jérémie contemplant les ruines de Jérusalem. Somme toute, elle me paraît mélancolique – ironique, sans aller dans la compassion de soi (Selbstbemitleidung).

My first collages, in the 60s, were in black and white. I loved the drama in them and the ease of assembling the pieces, especially since so I avoided having to match colors, to monitor their gray value, to consider the "color" effect. Because color was at that time a real problem for me. I did not know how to harmonize the painting. That’s why I removed the color from my paintings and collages. Then, and gradually, I introduced a color, then two and so on., composing my paintings in the style of a Bach fugue. And I haven’t been more bothered by this problem since. That is to say that my current black collages are the result of expressive, expressionistic bias, like the old movies in black and white of Murnau or Lang eg. When I do my collages, I think after a few colored ones: It's time to make a black and white one. I have already mentioned the internal roots of these collages, but it remains to name my discoveries, primarily in adolescence, with woodcuts of Nolde or Masereel and Lynd Ward, and lithos by Munch who have nurtured my imagination throughout my life. I've always been attracted by the “maniera nera”, like Caravaggio. And my mother’s maiden name is “Schwarzmann”…
Last night, after a "white" collage, I thought it was time for a very dark one now. And it came quite easily. Here are the steps:

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Noir et blanc

Mes premiers collages, dans les années 60, ont été en noir et blanc. J’aimais le drame qui s’en dégageait et la facilité de l’assemblage des morceaux, d’autant plus que j’évitais ainsi de devoir faire harmoniser les couleurs, à surveiller leur bonne valeur de gris, à songer à l’effet « couleur ». Car la couleur a été à ce moment un vrai problème pour moi. Je ne savais plus comment harmoniser le tableau. J’ai supprimé la couleur de mes collages et tableaux. Ensuite, et progressivement, j’ai introduit une couleur, puis deux etc., composant mes tableaux à la manière d’une fugue de Bach. Et je ne me suis plus soucié de ce problème depuis. Ceci pour dire que mes collages noirs actuels sont le fruit d’un parti pris expressif, expressionniste, à la manière des vieux films en noir et blanc de Murnau ou Lang par ex. Quand je fais mes collages, je me dis au bout de quelques-uns en couleur : Il est temps d’en faire un en noir et blanc. J’ai déjà évoqué les racines intérieures de ces collages, mais il reste à nommer mes découvertes, d’abord à l’adolescence, avec les gravures sur bois de Nolde ou Masereel et de Lynd Ward, ainsi que les lithos de Munch qui m’ont nourri tout au long de ma vie. C’est la « manière noire » qui m’a toujours attirée, tout comme les Caravagistes.D’ailleurs, le nom de de jeune fille de ma mère est « Schwarzmann »…
Hier soir, après un collage « blanc », je me suis dit qu’il en fallait un très noir maintenant. Et il est venu assez facilement. Voici les étapes :